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22 de maio de 2018

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‘CÓMICS ESENCIALES 2017’


[texto en castellano debajo]
Coa progresiva normalización da banda deseñada na sociedade, a súa posición no mercado tamén ten ido pouco a pouco equiparándose á do resto dos produtos editoriais, o que naturalmente trae consigo algúns problemas. Un deles é a sobreprodución, que desde hai moitos anos afecta a todas as editoriais, desde as máis grandes ata as máis pequenas: sexa por manter presenza no mercado, sexa por cuestións de financiamento (xa se ten falado bastante da burbulla do mercado editorial), edítanse máis títulos do que en boa lóxica é capaz de «dixerir» o público. A cantidade de novidades a que atender (tendo en conta que non só imos consumir cómic, senón outros moitos tipos de libros e propostas culturais) é inxente, máxime coa diversificación de canles de difusión que caracteriza a nosa época. Acceder xa só a todo o interesante que se publica é unha auténtica utopía. Se tomamos os datos que facilita a web especializada Tebeosfera, vemos que en 2017 se editaron en España 3507 títulos de cómic, incluídos uns 850 que se corresponden co formato revista; unha boa parte deles non son novidades, pero as magnitudes —que, así e todo, seguen sendo unha mínima parte do volume editorial total do ano— falan por si soas.

Conseguir peneirar esa cantidade abafante para axudar a distinguir entre a multitude de propostas o que vale a pena (tendo en conta que iso tamén depende dos gustos e das afinidades de cada cal) é un labor importante en si, polo apoio que ofrece a quen queira descubrir novas cousas. Se ademais iso queda reflectido en forma de libro, é unha forma de outorgar indirectamente unha perdurabilidade ás edicións a que fai referencia, dado que outra das perversións do mercado editorial é a tendencia ao efémero de moitos dos produtos, que se lanzan aos andeis e desaparecen despois de poucos meses —aínda quedan, por sorte, moitas editoriais que buscan crear un catálogo estable, pero paulatinamente vaise impoñendo a política das grandes empresas, segundo a cal o libro que non triunfa no lanzamento queda condenado e perdido no marasmo—. Por isto, e tamén polo rexistro histórico que supoñen este tipo de publicacións, a iniciativa de Jot Down e da Asociación de Críticos y Divulgadores de Cómic (ACDCómic) iniciada o ano pasado co anuario Cómics esenciales é, creo eu, tan interesante.

Este anuario de 2017 conta cun cento de recensións que debullan outras tantas obras editadas o ano pasado, e complementa iso cunha entrevista a dúas bandas (nesta ocasión, con Núria Tamarit e Daniel Torres, a cargo de Álvaro Pons) e varios artigos de fondo acerca de tendencias do cómic actual (o uso da cor, a ollada feminina «irreverente», a abstracción poética na BD...). Eu encargueime de comentar tres dos estupendos cómics da colleita deste ano: La levedad, de Catherine Meurisse; La deuda, de Martín Romero, e mais Hâsib y la reina de las serpientes, de David B. Non fai falta dicir que aínda teño moito por explorar entre o editado durante o ano pasado, e estou seguro de que a min tamén me quedan por descubrir no libro unha chea de gratas sorpresas dentro da súa selección de títulos.

Cómics esenciales 2017. Un anuario de ACDCómic & Jot Down. Barcelona/Sevilla: Wabi Sabi, 2018. 240 pp., 20 euros.


[texto en castellano]

Con la progresiva normalización del cómic en la sociedad, su posición en el mercado también ha ido poco a poco equiparándose a la del resto de los productos editoriales, lo que naturalmente trae consigo algunos problemas. Uno de ellos es la sobreproducción, que desde hace muchos años afecta a todas las editoriales, desde las más grandes hasta las más pequeñas: sea por mantener presencia en el mercado, sea por cuestiones de financiación (ya se ha hablado bastante de la burbuja del mercado editorial), se editan más títulos de lo que en buena lógica es capaz de «digerir» el público. La cantidad de novedades a que atender (teniendo en cuenta que no solo vamos a consumir cómic, sino otros muchos tipos de libros y propuestas culturales) es ingente, máxime con la diversificación de canales de difusión que caracteriza a nuestra época. Acceder ya solo a todo lo interesante que se publica es una auténtica utopía. Si tomamos los datos que facilita la web especializada Tebeosfera, vemos que en 2017 se editaron en España 3507 títulos de cómic, incluidos unos 850 que se corresponden con el formato revista; una buena parte de ellos no son novedades, pero las magnitudes —que, con todo, siguen siendo una mínima parte del volumen editorial total del año— hablan por sí solas.

Conseguir cribar esa cantidad abrumadora para ayudar a distinguir entre la multitud de propuestas lo que vale la pena (teniendo en cuenta que eso también depende de los gustos y de las afinidades de cada cual) es una labor importante en sí, por el apoyo que ofrece a quien quiera descubrir nuevas cosas. Si además eso queda reflejado en forma de libro, es una forma de otorgar indirectamente una perdurabilidad a las ediciones a las que hace referencia, dado que otra de las perversiones del mercado editorial es la tendencia a lo efímero de muchos de los productos, que se lanzan a las estanterías y desaparecen después de pocos meses —todavía quedan, por suerte, muchas editoriales que buscan crear un catálogo estable, pero paulatinamente se va imponiendo la política de las grandes empresas, según la cual el libro que no triunfa en el lanzamiento queda condenado y perdido en el marasmo—. Por esto, y también por el registro histórico que suponen este tipo de publicaciones, la iniciativa de Jot Down y de la Asociación de Críticos y Divulgadores de Cómic (ACDCómic) iniciada el año pasado con el anuario Cómics esenciales es, creo yo, tan interesante.

Este anuario de 2017 cuenta con un centenar de recensiones que desgranan otras tantas obras editadas el año pasado, y complementa eso con una entrevista a dos bandas (en esta ocasión, con Núria Tamarit y Daniel Torres, a cargo de Álvaro Pons) y varios artículos de fondo acerca de tendencias del cómic actual (el uso del color, la mirada femenina «irreverente», la abstracción poética en la historieta...). Yo me encargué de comentar tres de los estupendos cómics de la cosecha del año: La levedad, de Catherine Meurisse; La deuda, de Martín Romero, y Hâsib y la reina de las serpientes, de David B. No hace falta decir que todavía tengo mucho por explorar entre lo editado durante el año pasado, y estoy seguro de que a mí también me quedan por descubrir en el libro un montón de gratas sorpresas dentro de su selección de títulos. 

Cómics esenciales 2017. Un anuario de ACDCómic & Jot Down. Barcelona/Sevilla: Wabi Sabi, 2018. 240 pp., 20 euros.

22 de marzo de 2018

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EXPOSICIÓN
‘DESDE CORUÑA CON HUMOR’



[Texto en castellano debajo]
Entre o 30 de novembro de 2017 e o 31 de xaneiro deste ano —aínda que finalmente estivo aberta algúns días máis— a sala da Casa da Cultura Salvador de Madariaga da Coruña acolleu a exposición Desde Coruña con humor, comisariada por Manel Cráneo e mais eu. A exposición (cuxo catálogo en PDF pode descargarse libremente desde aquí) contou con 18 representantes do humor gráfico coruñés actual, exemplificado tanto por autores veteranos como por outros que están aínda a comezar a súa carreira, e veu acompañada dunha serie de actividades, como talleres, charlas e mesas redondas. No vídeo que ilustra este artigo faise un resumo rápido de todo o realizado nestes meses. Constituíu o primeiro programa focalizado nun só ámbito da ilustración dentro do proxecto Coruña Gráfica, do que xa falei hai un par de anos neste mesmo blog, e a intención é desenvolver no futuro outros centrados nos demais ámbitos (animación, ilustración editorial, banda deseñada...). Teñen sido uns meses de bastante traballo, xa que esta fase do proxecto non acabou coa organización da exposición e as actividades paralelas, senón que tamén incluíu a actualización da guía inicial con novas fichas de ilustradores e ilustradoras e, por se fose pouco, a conversión de todo o material existente a formato web, coa súa sección de noticias e as súas redes sociais incluídas... Está tamén previsto que proximamente se vaian facendo actualizacións de todas as fichas, e manter así a información ao día para todos os autores.

Este é seguramente o proxecto máis ambicioso de Demo, a empresa dirixida por Manel, superando mesmo o que foi a sensación do verán de 2016, a campaña de 110 etiquetas de botella para o aniversario da cervexeira Estrella Galicia, e tamén a exposición BDG70: a revolta do cómic galego, merecedora de numerosos parabéns por parte de estudosos e críticos [na primeira tiven o gusto de participar coa coordinación dunha parte importante do proceso de preprodución; na segunda colaborei moito máis brevemente, coa supervisión técnica de textos e cartelas da mostra e cun texto para o (impoñente) catálogo]. Coruña Gráfica pon de manifesto o potencial visual existente en Galicia; sendo como é unha cata dunha zona moi restrinxida (aínda que certamente a área da cidade da Coruña ten unha gran densidade poboacional e é receptora de migracións de creativos) e tendo en conta que tampouco están aínda o cento por cento dos seus ilustradores, un proxecto similar abranguendo toda Galicia podería ser sorprendente.


[Texto en castellano]
Entre el 30 de noviembre de 2017 y el 31 de enero de este año —aunque finalmente estuvo abierta algunos días más— la sala de la Casa de la Cultura Salvador de Madariaga de A Coruña acogió la exposición Desde Coruña con humor, comisariada por Manel Cráneo y yo. La exposición (cuyo catálogo en PDF puede descargarse libremente desde aquí) contó con 18 representantes del humor gráfico coruñés actual, ejemplificado tanto por autores veteranos como por otros que están todavía empezando su carrera, y vino acompañada de una serie de actividades, como talleres, charlas y mesas redondas. En el vídeo que ilustra este artículo se hace un resumen rápido de todo lo realizado en estos meses. Constituyó el primer programa focalizado en un solo ámbito de la ilustración dentro del proyecto Coruña Gráfica, del que ya hablé hace un par de años en este mismo blog, y la intención es desarrollar en el futuro otros centrados en los demás ámbitos (animación, ilustración editorial, cómic...). Han sido unos meses de bastante trabajo, ya que esta fase del proyecto no acabó con la organización de la exposición y las actividades paralelas, sino que también incluyó la actualización de la guía inicial con nuevas fichas de ilustradores e ilustradoras y, por si fuese poco, la conversión de todo el material existente a formato web, con su sección de noticias y sus redes sociales incluidas... Está también previsto que próximamente se vayan haciendo actualizaciones de todas las fichas, y mantener así la información al día para todos los autores.

Este es seguramente el proyecto más ambicioso de Demo, la empresa dirigida por Manel, superando incluso el que fue la sensación del verano de 2016, la campaña de 110 etiquetas de botella para el aniversario de la cervecera Estrella Galicia, y también la exposición BDG70: a revolta do cómic galego, merecedora de numerosos elogios por parte de estudiosos y críticos [en la primera tuve el gusto de participar con la coordinación de una parte importante del proceso de preproducción; en la segunda colaboré mucho más brevemente, con la supervisión técnica de textos y cartelas de la muestra y con un texto para el (imponente) catálogo]. Coruña Gráfica pone de manifiesto el potencial visual existente en Galicia; siendo como es una cata de una zona muy restringida (aunque ciertamente el área de la ciudad de A Coruña tiene una gran densidad poblacional y es receptora de migraciones de creativos) y teniendo en cuenta que tampoco están aún el cien por cien de sus ilustradores, un proyecto similar abarcando toda Galicia podría ser sorprendente.

15 de xaneiro de 2018

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‘INTEMPERIE’


[Texto en castellano debajo]

A brutalidade, a sucidade e a podremia, simbólica e literal, están arredor dos personaxes de Intemperie, pegadas a eles. Javi Rey, na súa adaptación gráfica, consegue trasladar fielmente a (magnífica) novela homónima de Jesús Carrasco, todo un éxito internacional publicado en España por Seix Barral en 2012 e que nada ten que ver cun bestseller típico. Porén, a través dun estilo visual que en máis dunha ocasión trae á cabeza o de François Boucq (co seu gusto polos personaxes desgairados e feístas que nos sitúan nun certo realismo sucio), e cun protagonista cuxa cara tamén relembra dalgunha forma os nenos do Paracuellos de Carlos Giménez, Rey fai que a expresión gráfica de toda a crueza contida na narración orixinal non acabe por afogar o lector: a escrita dunha novela ofrece ao lector, como é habitual, todo tipo de información acerca de motivacións dos personaxes e de todo tipo de elementos postos en escena, mais a súa conversión a imaxe pode chegar a resultar «demasiado gráfica» e difícil de dixerir, e mesmo anular o conxunto da historia na percepción do lector ou do espectador. Javi Rey logra evitar isto, ao tempo que conserva a fidelidade á atafegante rudeza orixinal.

A novela Intemperie, como —creo que acertadamente— indican os textos promocionais da editorial, podería ser un cruzamento entre Miguel Delibes e Cormac McCarthy. Nalgún lugar da meseta castelá, nalgún momento indeterminado durante unha seca extrema e interminable que acabou por despoboar aldeas e vilas enteiras, un neno foxe da súa casa, do mundo hostil dos adultos, e na súa fuxida pola chaira case desértica, que representa un obstáculo máis grande do que nunca podería pensar para a súa fuga, encóntrase cun vello cabreiro que resultará ser, dalgún xeito, a figura adulta do mentor que non chegara a coñecer.

Javi Rey enfróntase como adaptador a un problema semellante ao que tiveron Karasik e Mazzucchelli ao versionar a Auster: facer uso de extractos literais dos textos da novela (naquel caso por petición de Auster; neste caso intúo que por iniciativa propia), e conseguir que o resultado acabe sendo algo máis que unha simple ilustración do texto orixinal con viñetas. Naquela Cidade de cristal, referencia xa no campo da novela gráfica como adaptación dunha novela de autor consagrado, había ademais unha certa necesidade de «dar o dó de peito» para resistir os prexuízos existentes fronte aos cómics á hora de medirse nun «ti a ti» coa literatura escrita, e talvez por iso o resultado foi notable mais, se se me permite, un chisco frío e artificial, demasiado dedicado a demostrar as posibilidades do medio, ata o punto de deixar demasiado á vista as costuras da adaptación. Pola contra, iso non ocorre coa versión de Intemperie: Rey emprega extractos do texto orixinal para dar un lixeirísimo toque de narración non visual, pero o groso da historia é pura narrativa gráfica, sen alardes nin exhibicionismos, pero moi reflexionada e efectiva, con solucións moi ambiciosas detrás da súa aparente sinxeleza, e consegue transfundir o tempo da novela na súa adaptación, e captar o espírito de todos e cada un dos personaxes de forma realmente maxistral. A introdución de breves labaradas de fantasía (os momentos oníricos, a visión monstruosa do personaxe do alguacil) traduce a imaxe as percepcións do protagonista, e o emprego da posta en páxina, o simbolismo, o uso expresivo das cores e certas licenzas estruturais con respecto ao orixinal acaban por facer unha obra persoal, que é de autor aínda sendo unha adaptación doutra obra de autor. En resumidas contas, todo un exemplo de adaptación con personalidade propia, o que a fai valiosa por si soa, sen dependencia da novela orixinal.

Javi Rey (baseado na novela de Jesús Carrasco): Intemperie. Barcelona: Planeta Cómic, 2016. 152 pp., cor, 25 euros.


[texto en castellano]
La brutalidad, la suciedad y la podredumbre, simbólica y literal, están alrededor de los personajes de Intemperie, pegadas a ellos. Javi Rey, en su adaptación gráfica, consigue trasladar fielmente la (magnífica) novela homónima de Jesús Carrasco, todo un éxito internacional publicado en España por Seix Barral en 2012 y que nada tiene que ver con un bestseller al uso. Sin embargo, a través de un estilo visual que en más de una ocasión trae a la cabeza el de François Boucq (con su gusto por los personajes desgarbados y feístas que nos sitúan en un cierto realismo sucio), y con un protagonista cuya cara también recuerda de alguna forma a los niños del Paracuellos de Carlos Giménez, Rey hace que la expresión gráfica de toda la crudeza contenida en la narración original no acabe por ahogar al lector: la escritura de una novela ofrece al lector, como es habitual, todo tipo de información acerca de motivaciones de los personajes y de todo tipo de elementos puestos en escena, pero su conversión a imagen puede llegar a resultar «demasiado gráfica» y difícil de digerir, e incluso anular el conjunto de la historia en la percepción del lector o del espectador. Javi Rey logra evitar esto, al tiempo que conserva la fidelidad a la asfixiante rudeza original.

La novela Intemperie, como —creo que acertadamente— indican los textos promocionales de la editorial, podría ser un cruce entre Miguel Delibes y Cormac McCarthy. En algún lugar de la meseta castellana, en algún momento indeterminado durante una sequía extrema e interminable que ha acabado por despoblar aldeas y pueblos enteros, un niño huye de su casa, del mundo hostil de los adultos, y en su huida por la llanura casi desértica, que representa un obstáculo más grande de lo que nunca podría haber pensado para su fuga, se encuentra con un viejo cabrero que resultará ser, de algún modo, la figura adulta del mentor que no había llegado a conocer.

Javi Rey se enfrenta como adaptador a un problema semejante al que tuvieron Karasik y Mazzucchelli al versionar a Auster: hacer uso de extractos literales de los textos de la novela (en aquel caso por petición de Auster; en este caso intuyo que por iniciativa propia), y conseguir que el resultado acabe siendo algo más que una simple ilustración del texto original con viñetas. En aquella Ciudad de cristal, referencia ya en el campo de la novela gráfica como adaptación de una novela de autor consagrado, había además una cierta necesidad de «dar el do de pecho» para resistir los prejuicios existentes frente a los cómics a la hora de medirse en un «tú a tú» con la literatura escrita, y tal vez por eso el resultado fue notable pero, si se me permite, un poco frío y artificial, demasiado dedicado a demostrar las posibilidades del medio, hasta el punto de dejar demasiado a la vista las costuras de la adaptación. Por el contrario, eso no ocurre con la versión de Intemperie: Rey emplea extractos del texto original para dar un ligerísimo toque de narración no visual, pero el grueso de la historia es pura narrativa gráfica, sin alardes ni exhibicionismos, pero muy reflexionada y efectiva, con soluciones muy ambiciosas detrás de su aparente sencillez, y consigue transfundir el tempo de la novela en su adaptación, y captar el espíritu de todos y cada uno de los personajes de forma realmente magistral. La introducción de breves fogonazos de fantasía (los momentos oníricos, la visión monstruosa del personaje del alguacil) traduce a imagen las percepciones del protagonista, y el empleo de la puesta en página, el simbolismo, el uso expresivo de los colores y ciertas licencias estructurales con respecto al original acaban por hacer una obra personal, que es de autor aun siendo una adaptación de otra obra de autor. En resumidas cuentas, todo un ejemplo de adaptación con personalidad propia, lo que la hace valiosa por sí sola, sin dependencia de la novela original.

Javi Rey (basado en la novela de Jesús Carrasco): Intemperie. Barcelona: Planeta Cómic, 2016. 152 pp., color, 25 euros.

19 de abril de 2017

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‘CÓMICS ESENCIALES 2016’


[Texto en castellano debajo]
Son membro da Asociación de Críticos y Divulgadores del Cómic de España (ACDCómic) desde a súa fundación. Sempre me considerei máis divulgador que crítico, e non precisamente porque vexa con maos ollos a figura do crítico, senón antes ben ao contrario, porque creo que o crítico debe ser unha persoa cunha formación tan vasta e un criterio tan ben formado que moi pouca xente pode permitirse realmente o apelativo; a isto hai que engadir que o crítico ten de ter a valentía de facer as súas valoracións con total honestidade e sabendo que probablemente, aínda que tratase de ser o máis respectuoso e medido nas súas apreciacións, moita xente (non só autores: tamén organizadores, editores...) non vai aceptar nada por debaixo da máxima puntuación. Creo na crítica como algo imprescindible para calquera medio, e celebro a vitalidade actual da crítica de cómic.

A revista Jot Down e mais a ACDCómic acaban de editar un anuario, Cómics esenciales 2016, en que participo con dous artigos: «Ciencia ficción en todo su esplendor», sobre a serie ¡Universo! de Albert Monteys, e «La distopía es hoy», sobre o volume Gran Hotel Abismo, de Marcos Prior e David Rubín. A asignación de títulos aos articulistas fíxose a partir da lista de Esenciales que publica semestralmente a asociación. Son un centenar de textos sobre outras tantas obras (ademais de varios artigos de fondo e unha entrevista a Ana Galvañ e Paco Roca).

Ao igual que as listas persoais do «mellor do ano», unha lista colectiva non deixa de ser un constructo a partir do cal descubrir cousas, ou iniciar debates sobre que é ou non é o que se pode considerar o mellor ou o máis destacable (e que criterios fan que sexa destacable, que non necesariamente teñen que ser a calidade intrínseca, senón tamén unha serie de factores externos). En calquera caso, está claro que se unha asociación como esta ten sentido é para comezar a ofrecer plataformas de referencia que permitan ir asentando a crítica de cómic, nun momento en que a crítica de calquera outro medio non goza precisamente do espazo que debería, polo que iniciativas como este anuario —ou o estudo sobre cómic dixital editado hai uns meses— son moi boas noticias para o sector.

Cómics esenciales 2016. Un anuario de ACDCómic & Jot Down, Barcelona/Sevilla: Wabi Sabi Investments, 2017
Anexo: outra reflexión miña sobre a crítica, publicada na columna «Entre as viñetas» de Culturagalega.org (comprobo agora que do texto desapareceron as raias, o que afecta bastante á puntuación): «A crítica, ese mal necesario» (2008)



[Texto en castellano]
Soy miembro de la Asociación de Críticos y Divulgadores del Cómic de España (ACDCómic) desde su fundación. Siempre me he considerado más divulgador que crítico, y no precisamente porque vea con malos ojos la figura del crítico, sino más bien al contrario, porque creo que el crítico debe ser una persona con una formación tan vasta y un criterio tan bien formado que muy poca gente puede permitirse realmente el apelativo; a esto hay que añadir que el crítico tiene que tener la valentía de hacer sus valoraciones con total honestidad y sabiendo que probablemente, aunque haya tratado de ser lo más respetuoso y medido en sus apreciaciones, mucha gente (no solo autores: también organizadores, editores...) no va a aceptar nada por debajo de la máxima puntuación. Creo en la crítica como algo imprescindible para cualquier medio, y celebro la vitalidad actual de la crítica de cómic.

La revista Jot Down y la ACDCómic acaban de editar un anuario, Cómics esenciales 2016, en el que participo con dos artículos: «Ciencia ficción en todo su esplendor», sobre la serie ¡Universo! de Albert Monteys, y «La distopía es hoy», sobre el volumen Gran Hotel Abismo, de Marcos Prior y David Rubín. La asignación de títulos a los articulistas se hizo partir de la lista de Esenciales que publica semestralmente la asociación. Son un centenar de textos sobre otras tantas obras (además de varios artículos de fondo y una entrevista a Ana Galvañ y Paco Roca).

Al igual que las listas personales de «lo mejor del año», una lista colectiva no deja de ser un constructo a partir del cual descubrir cosas, o iniciar debates sobre qué es o no es lo que se puede considerar lo mejor o lo más destacable (y qué criterios hacen que sea destacable, que no necesariamente tienen que ser la calidad intrínseca, sino también una serie de factores externos). En cualquier caso, está claro que si una asociación como esta tiene sentido es para comenzar a ofrecer plataformas de referencia para ir asentando la crítica de cómic, en un momento en que la crítica de cualquier otro medio no goza precisamente del espacio que debería, por lo que iniciativas como este anuario —o el estudio sobre cómic digital editado hace unos meses— son muy buenas noticias para el sector.

Cómics esenciales 2016. Un anuario de ACDCómic & Jot Down, Barcelona/Sevilla: Wabi Sabi Investments, 2017
Anexo: otra reflexión mía sobre la crítica, publicada (en gallego) en la columna «Entre as viñetas» de Culturagalega.org (compruebo ahora que
desaparecieron las rayas del texto, lo que afecta bastante a la puntuación): «A crítica, ese mal necesario» (2008)


24 de marzo de 2017

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‘PSICONAUTAS, LOS NIÑOS OLVIDADOS’



[texto en castellano debajo]

Gañou numerosos premios en festivais internacionais, e nas últimas semanas tamén do Goya á mellor película de animación, mais o seu currículo non evitou que a súa presenza na carteleira fóra de grandes capitais fose breve e en condicións pouco adecuadas (a segunda e derradeira semana na Coruña xa só se proxectaba na sesión das 16:00). Certamente, Psiconautas, los niños olvidados, dirixida por Alberto Vázquez e Pedro Rivero, non é unha película fácil nin para grandes públicos, pero é probable que a (importantísima) evolución do cinema de animación e do seu público nestes últimos anos aínda non conseguise vencer algunhas fronteiras mentais. É unha mágoa, porque Psiconautas é cinema de altura, non unha simple anécdota de animación para adultos.

Baseada na novela gráfica publicada por Alberto Vázquez en 2006, esta versión cinematográfica supón unha ollada máis madura á mesma historia, con engadidos que potencian a súa forza. Se a curtametraxe Birdboy (2011), que dirixiron tamén Vázquez e Rivero, supuña un máis que notable primeiro achegamento a ese universo e demostraba que era posible a calidade na animación a partir de medios limitados, esta versión en longametraxe é xa a constatación de que o bo cinema animado pode facerse cun equipo reducido en que moitos dos creativos gráficos (entre eles, nada máis e nada menos que outros ilustradores do talle de Martín Romero, Giovanna Lopalco, Alberto Guitián ou José Domingo) realizan varios labores na produción, en lugar de estaren centrados nun só campo (fondos, iluminación...), como é habitual nestes casos. A base técnica da animación da longa recupera un pouso máis tradicional con respecto á curtametraxe (máis de debuxo fotograma a fotograma que de movementos vectoriais, para entendernos), ao igual que a aparencia afonda aínda máis nos xeitos analóxicos, aínda que esta sexa unha película dixital.

O filme incorpora á dura historia contada pola novela gráfica un elemento dalgún modo redentor, que introduce cando menos unha pinga de luz nesta sombría e opresiva historia: un refuxio que pode representar a reconquista da natureza, cun novo ciclo despois da morte, e que conecta (conceptual e incluso graficamente) con universos propios do Miyazaki máis panteísta. Este elemento non representa, porén, ningunha dulcificación da historia, que mesmo agudiza os seus contrastes ao acadar tons próximos ao cinema de terror cunhas poderosísimas escenas que condensan elas soas o horror contido nos personaxes e especialmente en Birdboy.

O feito de a historia estar protagonizada polo que tradicionalmente se denominaba funny animals permite que se transmita de forma xenuína todo un ambiente atafegante que dalgún xeito, aínda que sexa afastado, nos resulta punzantemente familiar: esa sensación de necesidade de fuxida propia do adolescente, ou esoutra do descubrimento dos perigos que asexan nese exterior ao que se quere fuxir. A animación, como a ilustración, consegue traducir sensacións que a fotografía en moitos casos tapa coa propia exposición evidente daquilo que consideramos o horror. 


[texto en castellano]

Ganó numerosos premios en festivales internacionales, y en las últimas semanas también del Goya a la mejor película de animación, pero su currículo no evitó que su presencia en la cartelera fuera de grandes capitales fuese breve y en condiciones poco adecuadas (la segunda y última semana en A Coruña ya solo se proyectaba en la sesión de las 16:00). Ciertamente, Psiconautas, los niños olvidados, dirigida por Alberto Vázquez y Pedro Rivero, no es una película fácil ni para grandes públicos, pero es probable que la (importantísima) evolución del cine de animación y de su público en estos últimos años todavía no haya conseguido vencer algunas fronteras mentales. Es una pena, porque Psiconautas es cine de altura, no una simple anécdota de animación para adultos.

Basada en la novela gráfica publicada por Alberto Vázquez en 2006, esta versión cinematográfica supone una mirada más madura a la misma historia, con añadidos que potencian su fuerza. Si el cortometraje Birdboy (2011), que dirigieron también Vázquez y Rivero, suponía un más que notable primer acercamiento a ese universo y demostraba que era posible la calidad en la animación a partir de medios limitados, esta versión en largometraje es ya la constatación de que el buen cine animado puede hacerse con un equipo reducido en que muchos de los creativos gráficos (entre ellos, nada más y nada menos que otros ilustradores de la talla de Martín Romero, Giovanna Lopalco, Alberto Guitián o José Domingo) realizan varias labores en la producción, en lugar de estar centrados en un solo campo (fondos, iluminación...), como es habitual en estos casos. La base técnica de la animación del largo recupera un poso más tradicional con respecto al cortometraje (más de dibujo fotograma a fotograma que de movimientos vectoriales, para entendernos), al igual que la apariencia ahonda todavía más en los modos analógicos, aunque esta sea una película digital.

El filme incorpora a la dura historia contada por la novela gráfica un elemento de algún modo redentor, que introduce cuando menos una pizca de luz en esta sombría y opresiva historia: un refugio que puede representar la reconquista de la naturaleza, con un nuevo ciclo después de la muerte, y que conecta (conceptual e incluso gráficamente) con universos propios del Miyazaki más panteísta. Este elemento no representa, sin embargo, ninguna dulcificación de la historia, que hasta agudiza sus contrastes al conseguir tonos próximos al cine de terror con unas poderosísimas escenas que condensan ellas solas el horror contenido en los personajes y especialmente en Birdboy.

El hecho de que la historia esté protagonizada por lo que tradicionalmente se denominaba funny animals permite que se transmita de forma genuina todo un ambiente asfixiante que de algún modo, aunque sea lejano, nos resulta punzantemente familiar: esa sensación de necesidad de huida del adolescente, o esa otra del descubrimiento de los peligros que acechan en ese exterior al que se pretende huir. La animación, como la ilustración, consigue traducir sensaciones que la fotografía en muchos casos tapa con la propia exposición evidente de aquello que consideramos el horror.

4 de outubro de 2016

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‘EL BOSCO’, DE MARCEL RUIJTERS


[Texto en castellano debajo]

Marcel Ruijters foi un dos habituais participantes na Expofanzines de Ourense, e no primeiro número d’O Fanzine das Xornadas publicáronse, en versión galega, varias páxinas da súa serie Dr Molotow, no que creo que debeu de ser a súa primeira edición nalgunha das linguas peninsulares. Publicar en holandés probablemente dificultou a difusión internacional das súas obras, mais o certo é que tamén ten publicado varias traducións no mercado anglosaxón e aínda así apenas entrara no do español e o portugués (si houbo polo menos unha edición do seu Trogloditas en Edições Polvo en 2001, e outra da súa adaptación do Inferno de Dante pola Mmmnnnrrrg en 2012). Por iso levei unha grata sorpresa cando souben, non sen certo atraso, que había unha obra súa editada en castelán, curiosamente posta no mercado español por unha editora colombiana.

Coñecendo os rexistros gráficos que ten practicado Ruijters, especialmente nas súas obras máis experimentais, non resulta nada estraño o seu interese pola obra do pintor Jeroen van Aken, alcumado Jheronimus Bosch, artista único dese momento límite entre a Idade Media e a Moderna. Non obstante, este libro vai moito máis alá do que podería chegar a entenderse como un tributo a certas fontes e inspiracións gráficas (a arte medieval en xeral), e resulta un achegamento ficcionado de primeira orde ao xenial artista neerlandés moi ben articulado narrativamente. El Bosco (Jheronimus, no seu título orixinal) é unha novela gráfica fortemente documentada, produto de catro anos de traballo, que resulta ideal para aproximarse ao artista na súa sociedade, nun retrato íntimo que non cae nin na biografía de tipo haxiográfico nin no didactismo. A pesar de estar ateigada de múltiples referencias que axudan a dotar de verismo e profundidade a contextualización da historia que conta, estas non chegan a atrancala ou a restar comprensión ao lector que non saiba interpretalas no momento en que aparecen: constitúen unha sorte de segundo nivel de lectura que enriquece o primeiro sen estorbar unha lectura fluída. Ruijters tamén aborda o proceso creativo do pintor e mesmo desmonta razoadamente algúns mitos historiográficos creados ao seu redor (resulta moi recomendable a ese respecto esta entrevista realizada por Paul Gravett).

O retrato da Europa urbana tardomedieval que fai o libro non pode ser máis demoledor, e axuda a comprender o imaxinario pictórico de Jheronimus Bosch. O estilo gráfico de Ruijters, que pode sorprender a quen non o coñeza polo seu uso extensivo da caricatura feísta, funciona á perfección desde a primeira páxina para unha narración que se podería definir como naturalista, aínda que non dubide tampouco en mesturar soños e alucinacións nos momentos precisos.

Podemos dicir que a novela gráfica El Bosco é o contrapunto perfecto a El tríptico de los encantados, de Max. Mentres este optou por un (magnífico) achegamento, case minimalista, ao pintor desde os temas e as obsesións rastrexables na súa obra —é dicir, dunha perspectiva netamente imaxinaria—, Ruijters fixo un auténtico tratado do (posible) lado humano do artista, aínda que sen esquecer a súa vertente fantástica, irrenunciable nun caso como o de Jheronimus Bosch. Vale a pena ler conxuntamente as dúas obras; non é casualidade que Max inclúa de forma explícita na bibliografía do seu libro a edición inglesa desta novela gráfica de Ruijters.

Marcel Ruijters: El Bosco, Rey Naranjo Editores, 2016. 19,90 euros




27 de setembro de 2016

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‘BINOMIOS FANTÁSTICOS’, DE MIGUEL ROBLEDO


[Texto en castellano debajo] 
 A obra de Miguel Robledo é aínda unha gran descoñecida para o gran público, por desgraza. A súa única monografía, Vilaverzas (Faktoría K de Libros, 2006, recompilación de parte das BD publicadas previamente na revista Golfiño) está descatalogada; o seu traballo tense repartido desde os noventa por libros de texto, producións multimedia e audiovisuais en moitos casos frustradas (como a serie para televisión Ventura na illa de Hypnos ou a longametraxe Holly Night) e diversas publicacións, como BD Banda, onde apareceu por entregas a súa primeira historia longa da serie Os Cabezóns e unha continuación que quedou inconclusa, e Polaqia chegou a editarlle un caderno de bosquexos dentro da súa colección Sketchbook. Nos últimos anos, podemos ver escintileos do xenio deste artista a través dos traballos para moitas das portadas de Eurisaces Editora, e para láminas e outros obxectos producidos pola allaricense libraría Aira das Letras (como a máis que recomendable Axenda ilustrada que aínda pode conseguirse alí), e chegou a publicar varios capítulos dun novo cómic («As viaxes de Iria») na falida revista Oink!

Ao contrario que outros moitos artistas (mesmo algúns grandes artistas), Robledo non deixa de evolucionar cos anos, e ademais faino cara a mellor; se desde sempre foi un dos imprescindibles da BD e a ilustración galegas, hoxe por hoxe sumou á súa mestría aínda maior plasticidade e dinamismo. A súa imaxinación portentosa, que nos leva a mundos netamente propios, desde hai un tempo posúe ademais un halo de misterio difícil de igualar. Binomios fantásticos recolle en papel precisamente parte desta faceta da súa obra, que pode apreciarse a diario a través das súas webs e redes sociais. O volume fai uso do revitalizado concepto do libro ilustrado para público adultoque tantas posibilidades ten aberto nestes últimos anos até engarzarse, sen límite claramente definido, coa banda deseñada—, e faino aplicando o principio do «binomio de conceptos» de Gianni Rodari, dando unha identidade e un fondo a unhas ilustracións fantásticas xa de por si evocadoras. O libro ten como principal baza esa combinación de breves explicacións, case microrrelatos, que se confrontan e dan un novo sentido aos personaxes que pululan polas súas páxinas. A faísca procedente da unión de textos e imaxes provoca pequenos lóstregos na mente do lector. Unha delicia de obrigada lectura que hai que agradecer ao interese dos libreiros ourensáns Sindicato del Cómic.

Miguel Robledo: Binomios fantásticos. Una colección de personajes improvisados con microhistoria adosada, Sindicato del Cómic, 2016. 10 euros